Cotec presenta Imperdible 01

 

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La Fundación Cotec, con la colaboración de Sónar+D y el Ayuntamiento de Madrid,
organiza la primera entrega de sus Imperdibles, una colección de experiencias únicas e
irrepetibles
en torno a la innovación.  “CONSIGUE TUS ENTRADAS GRATIS”

VIERNES, 13 DE MAYO. 17:00-23:00 HORAS
LA N@VE (ANTIGUA FÁBRICA BOETTICHER), MADRID
VILLAVERDE BAJO-CRUCE (LINEA 3)

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Bside (“AFFECTED” Ep) 2. Affected (Hiddeminside Remix)

 

Este Ep tiene algo especial ya que se han alineado todos los astros para que sea así, con una re mezcla del maestro Hiddeminside se llega al medio centenar de referencias en el sello CB Recordings. Tiene un carácter indefinible y difícil de etiquetar.
El Beat es rudo (del techno), cadencia y voces house a 125 Bpm, sintes progresivos y fx del deep y para poner la guinda al pastel guitarras y pianos muy orgánicos con influencia trance que dan una sensación melancólica y emotiva.

This EP has something special and that all the stars have aligned to make it so, with a remix master Hiddeminside is reached fifty references in the CB Recordings label. It has an indefinable character and difficult to label.
The Beat is rude (techno), cadence and house a 125 Bpm voices, synths and fx progressivos deep and to put the icing on the cake guitars and pianos very organic influential trance that give a melancholic and emotional feeling.

Curso Ableton Live 9 gratis

Hace pocos días me encuentro con esta maravilla en Youtube, un curso profesional de Ableton Live 9 y encima GRATIS. Buscando más información al respecto de sus creadores,www.tutosound.com, descubro su web y veo que es una iniciativa que está comenzando pero que tiene muy buena pinta y a la cual sólo le hace falta crecer un poco más en cuanto a contenido.

El curso sinceramente debería pagarse, tiene lo necesario para comenzar con el popular Ableton Live, empieza con la instalación y un primer recorrido por la aplicación y termina por el control MIDI y los teclados para directo. Hay que dejar claro que es un curso para los no iniciados, si haces tiempo que manejas el programa o tienes cierto conocimiento probablemente te aburras. Pero ya sabes lo que dicen en estos casos, por mucho que sepas siempre hay algo nuevo que puedes aprender.

El responsable del curso es Pierre Llamas y se nota que no es la primera vez que imparte cursos de este tipo porque se expresa muy bien, el sonido es muy limpio y las explicaciones son claras y concisas. Puntos estos sinceramente no muy habituales en los cursos gratis que te encuentras por ahí.

Desde luego yo ya estoy esperando la continuación, sea gratis o no porque no me importaría pagar en el futuro por algo parecido. Lo más que me sorprende es que los videos están muy bien editados, no se trata del típico tutorial grabado con Screen Flow (MAC) o Camtasia (PC / MAC) y subido directamente sin edición previa. Todo está cuidadosamente editado e incluso en las transiciones se han currado algo muy original que no te desvelaré porque tú mismo notarás cuando comiences a ver los primeros videos.

En definitiva, el mejor curso de Ableton Live 9 que he visto hasta la fecha y que hay que reconocer que es demasiado bueno para ser GRATIS. Gracias Tutosound.com volveré a por más ;)

Fuente: http://www.tecnologiadj.com/

Así dominan los Ingleses los festivales Españoles

Los festivales de música moderna en España viven hace tiempo un estancamiento, creativo en casi todos los casos y económico en algunos (baste recordar la venta in extremis del Festival de Benicássim el julio pasado). ¿Qué nos ofrece el panorama en 2014? Intentamos averiguarlo preguntando a responsables de las primeras citas del año: SOS 4.8 (Murcia),Viña Rock (Albacete) y Laboratorio de Electrónica Visual (Gijón). Un avance: esta temporada hay más conflictos políticos, empresariales y culturales que ninguna otra época de los festivales en España.

Una de las principales críticas de los últimos años es la homogeneidad del menú de los grandes festivales españoles. Artistas como The Prodigy o Pet Shop Boys, cabezas de cartel del SOS 4.8, han tocado ya en casi todas las citas importantes de nuestro país. Roger Dedeu, codirector del SOS 4.8, explica el fenómeno: “Tiene que ver, sobre todo, con cómo está organizado el mercado. En Londres hay 20 o 25 agencias, que representan a casi todas las bandas del mundo. Cada año, de septiembre a noviembre, vamos allí todos los festivales tipo SónarPrimavera Sound o Benicássim a decirles lo que nos interesa y la cantidad que estamos dispuestos a pagar. Cuando leen todas las ofertas, las van valorando. No es un mercado libre, ya que estas agencias tienen casi todo el poder. Son ellas las que deciden quién está disponible y a qué precio. Tú eliges, por ejemplo, los cabezas de cartel de una lista de 15”.

Además, asegura que los precios nunca son fijos, que dependen de variables que sólo ellos conocen. Por ejemplo, cambia mucho si el día anterior al festival el grupo que interesa al programador está tocando en Oporto o en Los Ángeles. “Nunca te dicen que Prodigy cuesta tantos miles de euros, deciden según sus necesidades. A Londres van a comprar todos los festivales del planeta, igual que van a negociar a la City todas las compañías de seguros”, explica.

España ya no es la prioridad

¿Otro dato crucial? España ya no es territorio prioritario en el circuito global de conciertos. “Desde hace un par de años, con la crisis y la subida del IVA cultural, hay muchos grandes nombres que pasan de venir aquí. Ocurrió con Neil Young el año pasado y también con otros. No te puedo dar nombres concretos, porque nosotros hacemos las ofertas y no nos explican los motivos de cada rechazo, pero está claro que nos dicen “no” más veces que antes”.

Festival estrella de levante sos 4.8

Festival estrella de levante sos 4.8 Una crítica fuerte que afloró en 2014 fue la homogeneidad racial y de género de los festivales españoles. La acusación más comentada fue el reportaje titulado “Un análisis estadístico del cartel del Primavera Sound”. ¿Conclusiones principales? La mayoría de los grupos del Primavera Sound están compuestos exclusivamente por hombres blancos.

El festival se anuncia como “novedoso”, “arriesgado” y “ecléctico”, pero no cumple ninguna de las tres categorías. Incluso destaca que el 15% de sus grupos son mayores de 55 años o artistas que vuelven, exclusivamente, para satisfacer la nostalgia del público más solvente. “Hice el análisis por curiosidad. Quería comprobar de alguna forma que el indie es algo para hombres blancos de cierta clase social. Lo que más me inquietaba es que hablamos de una identidad cultural con una retórica muy excluyente (por ejemplo, distinguiendo la música “auténtica” de la “popular”). En general, creo que el Primavera Sound no debería tomarse tan en serio, porque muchas veces el indie recurre a unos conceptos medio religiosos y conservadores, hablando de pureza de música o de ídolos, todo bañado en una especie de superioridad moral bastante chunga. Les diría que simplemente hagan su festival comercial y no intenten darle lecciones a nadie”, explica desde MéxicoYoung Vibez, seudónimo del responsable de esta pieza de periodismo de datos. Gabi Ruiz, director del Primavera Sound, reconoció el año pasado la pertinencia de estas críticas. “Es algo que tengo clavado: el Primavera Sound es un festival para blanquitos”, declaraba en la revista Rockdelux.

Mutaciones turísticas

Preguntamos por este asunto a Roger Dedeu, que este año no cuenta con ninguna mujer entre sus cabezas de cartel y con una cifra modesta en el resto de la programación. “Leí con interés el análisis estadístico del Primavera Sound. Mi opinión es que todo esto depende poco de nosotros. Es más un problema del sector. No tenemos ningún inconveniente en traer más chicas o más grupos étnicos, pero no tengo muy claro cómo podría hacerlo. Este año hemos preguntado por Pussy Riot, pero no podían porque estaban en la cárcel y, además, querían abandonar la música. También preguntamos porDum Dum Girls, pero no les venía bien por fechas, además de que tenían firmada una exclusiva con el Primavera Sound”.

Te venden un artista y algunas veces te obligan a pagar la exclusiva, por la que te añaden un recargo. Nosotros hemos renunciado muchas veces a una exclusividad para que algún artista pudiera tocar en otro festivalLas exclusivas son otra de las grandes polémicas de la escena. “Estamos ante otra cuestión que imponen las agencias de Londres. Te venden un artista y algunas veces te obligan a pagar la exclusiva, por la que te añaden un recargo. Nosotros hemos renunciado muchas veces a una exclusividad para que algún artista pudiera tocar en otro festival”, afirma.

¿Último punto caliente? Dedeu reconoce que los festivales han sufrido una mutación en sus objetivos: “Atraer turismo es una de las metas básicas del SOS 4.8. Ayudamos a posicionar a Murcia como región, que en principio no es un territorio que atraiga especialmente al público joven. Los festivales han dejado de ser un sitio donde vas a escuchar música exclusivamente. Se están transformando en algo más que afecta a los negocios, al turismo y a la logística. A nivel internacional, estaba claro hace tiempo, a nivel nacional hemos sido pioneros. Creo que fomentamos la convivencia entre lo local y lo internacional”, señala.

Sobredosis publicitaria

Nando Cruz, veterano y respetado periodista musical, comenta la situación a la vez que manifiesta su progresivo desinterés por unos festivales de verano que son cada vez más repetitivos: “La mayoría ha renunciado a su papel de radar cultural. Me refiero a un radar que contribuya a abrir el abanico estilístico y a introducir otros discursos y visiones del mundo, no a buscar más grupos que eternicen los mismos sonidos. Lo digo teniendo en cuenta que en el Primavera Sound y Sónar, los festivales que más sigo, siempre hay hueco para propuestas sorprendentes. Si algo asfixia nuestra sociedad es la sobreinformación y los estímulos para el consumo. Los festivales no solo no se presentan como un espacio en el que romper esa dinámica, sino que la acentúan en una espiral de dos o tres días”.

Festival arenal sound

Festival arenal sound

“En algunos festivales el acoso de las marcas es incluso más exagerado que en la calle más comercial de la ciudad. Y lo es tanto que no hay manera de que el discurso del grupo más transgresor acabe sonando como una anecdótica nota a pie de página. Entiendo la necesidad del patrocinio, pero no percibo que revierta en favor del público. No veo que las entradas sean más baratas, ni que baje el precio de todo lo que se consume dentro de los recintos: cervezas, comida, etcétera. Los festivales se han consolidado como un modelo de negocio alrededor de la música. Subrayo  “alrededor” porquedonde más dinero se mueve es en las barras, hoteles y servicios. Por eso todas las ciudades quieren su festival: su turismo cultural” apunta Cruz.

Para el periodista los festivales han renunciado poco a poco a la posibilidad de ser espacios donde se cuestione el pensamiento dominante para convertirse en un concentrado de este. “Se ha impuesto un único modelo de festival: el escaparate de grupos emergentes y/o exitosos presentados en formato outlet. ¿Cómo mejorarlo? Ni idea. Pero sospecho que ya no es una cuestión de contenidos. Quizá haya que empezar a repensar el propio modelo de festival”, concluye.

Viña Rock y Arenal Sound

Otro tipo de problemas acechan a los festivales. Por ejemplo, Viña Rock (Villa Robledo, Albacete), sufre un rechazo mediático difícil de justificar. ¿Será por el contenido político de las letras de muchos de sus grupos? Es el caso de Gatillazo, Soziedad Alkohólika o Reincidentes, entre otros muchos nombres de la edición 2014. Responde Tomás Abril, responsable de prensa: “En nuestra oficina también hacemos el festival Arenal Sound, que tiene grupos menos políticos y recibe más atención de los medios. Es extraño porque Viña Rock bate récords de asistencia y es el festival que más gente atrae del estado español. Supongo que el desinterés de los medios tiene algo que ver con esas letras politizadas. Todos sabemos que algunos de los grupos que suelen venir aquí les han prohibido tocar en muchos puntos de España. Por suerte, en Viña Rock todos los artistas actúan con total libertad”.

Arenal Sound, el otro gran festival de esta empresa, se celebra entre finales de julio y comienzos de agosto en Burriana, Castellón. Aquí tienen otros problemas, como una oposición recelosa, contraria a ampliar el acuerdo de permanencia y un ingeniero municipal que opina que el aforo debería de rebajarse de 60.000 a 40.000 personas. “El aforo del festival está firmado, en regla, todo legal. Es el mismo del año pasado y de los anteriores.  En 2013 se batió el récord de asistencia y no hubo problemas. Antes y durante el festival se pasan inspecciones diarias. Hay salidas de emergencia y dispositivos de seguridad y asistencia para cualquier problema que surja”.

También afirma que se ha suavizado la relación con el pueblo que les acoge. “Es cierto que el Arenal tuvo alguna contestación de los vecinos, sobre todo de los más cercanos al recinto, porque les molestaba el ruido. Poco a poco se liman estos problemas. Los vecinos cada año aprenden a sacar más partido de la gente que acude al festival. Por ejemplo, en Viña Rock, todas las calles alrededor del festival ofrecen duchas y baños para sacarse un dinero. En Burriana se ven cada vez más tratos de este estilo”, señala.

¿Otro circuito es posible?

Este fin de semana, en el Centro de Arte Laboral, se celebra un festival que al menos ofrece otro modelo: el Laboratorio de Electrónica Visual (LEV). Se trata de reunir, dentro de los límites del presupuesto, las propuestas más arriesgadas de la cultura de clubes y los experimentos audiovisualesestéticamente cercanos. “Nuestro cartel es atípico dentro de la oferta de festivales y eso hace que tengamos un público de una edad e inquietudes que se alejan un poco de lo que es usual en festivales electrónicos. Te parecerá mentira, pero no seríamos capaces de definir la programación por géneros o etiquetas. En la electrónica parece haber una especie de regresión en cuanto a estilos ¿No está ahora la gente loca por el house? Nosotros apostamos por programar artistas difíciles de catalogar”.

Festival monegrosgpf6478

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En claro contraste con el LEV, más de uno se habrá quedado a cuadros al ver a Steve Aoki como uno de los cabezas de cartel del festival de Monegros 2014. El problema es que hace tiempo que se sabe que Aoki ha llegado a pinchar sesiones pregrabadas, en vez de hacer su trabajo en directo (el equivalente a que los Rolling Stones dieran conciertos en playback). Otra señal inequívoca de que hay que replantearse muchas cosas en nuestra escena de festivales.  Seguramente la cita que ofrece una alternativa más completa al modelo dominante sea el Rototom de Benicassim, el festival jamaicano más grande de Europa, que apuesta por precios bajos, entrada libre para niños y ancianos y rechazo a los patrocionios que no encajan en la filosofía del festival (no se despacha Coca Cola por su prácticas antisindicales). La escena festivalera de nuestro país es amplia, diversa y llena de matices, pero empieza a a imponerse la idea de que hay que reinventarla para que vuelva a la vida.

Preparación y gestión de sesiones de DJ

Planificar vs. improvisar vs. todo lo contrario

Empecemos diciendo que “el libro de los gustos está escrito en blanco”. Es decir, muchos DJs prefieren preparar con antelación su repertorio en directo y otros prefieren dejarse llevar por el feeling de la pista en todo momento. Y los hay que combinan ambos métodos.

Planificar es la estrategia que utilizan la gran mayoría de grupos musicales en directo; prever cómo funcionarán mejor qué canciones y en qué orden. Obviamente aquí hay cientos de matices, pero sólo unas cuantas claves: es una técnica que puede funcionar bien si el público conoce tu repertorio o viene entregado a verte en directo. Aplicándolo a una sesión DJ, cerrarte en banda al 100% puede generarte cierta seguridad a priori, pero el resultado en directo puede quedarse realmente flojo: raramente el público que tú visualizabas días antes a la hora de empezar estará realmente en la sala en la forma que esperabas. Salvo que seas un DJ “superestrella” y la predisposición del público sea total de principio a fin, le echen lo que le echen.

Improvisar por otra parte no significa ir con las manos vacías a ver qué pasa esa noche. En absoluto. Consiste en “conectar” con el público y para ello hay que estar preparado, a otro nivel evidentemente, como lo puede estar un músico de free-jazz con el resto de la banda. La improvisación requiere muchas horas de preparación en base a técnicas “al vuelo”, estilos, conocer tendencias, las salas donde actuamos, etc. También para preparar una sesión cerrada, es cierto, pero con un enfoque muy diferente.

Ambas estrategias tienen sus pros y sus contras, por lo que es aconsejable combinarlas: es bueno llevar una colección coherente de canciones para nuestro directo, pero siempre con la premisa de que el orden se deberá construir en directo en función de cómo “funcione” nuestra sesión. Quizás pensaste que “tu hit” entraría perfecto a las 3:00 AM porque tú visualizabas la pista llena y bailando con energía, pero resulta que ese día el climax de la sesión no llegó en ese momento ni al nivel esperado y a las 3:00 AM no queda otra que rectificar, dar un giro al recorrido de la sesión, improvisar.

“Leer la pista”

En el argot de la cabina se habla de “leer la pista” como sinónimo de predecir el comportamiento del público. Es realmente complicado si no estás en línea, en conexión permanente con el público, evidentemente. Con sus intenciones, sus deseos, sus estados de ánimo, con la actitud de los grupos de amigos, con aquellos/as que le dan al pie sutilmente cuando pones una de ese grupo… ¡llévatelos en algún momento a la pista!

A grandes rasgos, existen dos grandes enfoques de esta -llamémosla de algún modo-, habilidad social: desde la perspectiva de un DJ “sumiso” (el que se deja llevar completamente por la tipología y comportamiento del público y pincha cosas con las que ni se identifica personalmente) y desde la perspectiva de un DJ “líder” (el que es capaz de dirigir al público con su propia selección y no atiende peticiones, etc.). Cómo no, una vez más, la mezcla de ambos.

Para leer la pista es necesario mirar y analizar en tiempo real al público. No solamente centrarte en tu sesión, en la preescucha, en hacer bien la sincronización. También en cómo conseguir que bailen, que salten, que se relajen, etc. los asistentes a la sala o al evento. Como un argumento de una película. La sesión ha de tener un ritmo en si misma, contar con canciones predecibles, impredecibles, con técnicas originales, etc. Aunque la protagonista siempre será la música que suene, cada DJ tiene que aprender a comunicarse con su público, a forjar su estilo y que el público y los promotores perciban que tiene identidad propia. Hasta la sutil ecualización, el manejo del volumen y los tiempos de mezcla pueden influir en este sentido, al fin y al cabo son tus herramientas para comunicarte con ellos. Cuando termines de aprender las técnicas básicas, tu verdadero aprendizaje como DJ empezará aquí.

La sesión en directo

¿He hablado de que pinchar en directo es como contar una historia, como una película? El argumento es la clave. Así como en una película no empieza con el climax, desvela la intriga y después se va diluyendo la tensión, sino todo lo contrario, en una sesión de directo deberemos establecer entre el principio y el final una serie de “episodios” que más o menos pueden dilatarse o acortarse según el comportamiento del público. Si enfocas la sesión así, funcionará mucho mejor que ir a salto de mata. Hasta cuando hay varios DJs en el lineup, este “argumento” se tiene que negociar o en el orden de los artistas o en el tipo de sesión de cada uno. Fundamental saber esperar, pinchar en bloques es una estrategia que te permitirá realizar sesiones largas sin desgaste.

Guárdate los ases en la manga. Si tienes preparados 10 hits reconocibles por tu audiencia, no los reproduzcas todos juntos, ni al principio de tu sesión, ni siquiera para levantar un momento flojo y después del hit volver con lo anterior. El comportamiento de la sesión en si misma funciona mejor de manera escalonada que de forma radical. Tienes que “convencer” al público de que lo que suena está bien y que lo que vendrá será mucho mejor. Para ello, combina cosas conocidas, con cosas no tanto, además de lanzar algún mash-up o remix original entre medias. Pero hazlo de tal forma que, poco a poco, sin apresurarte, una canción detrás de otra hagan de la sesión un continuo atractivo. Al fin y al cabo nos estamos comunicando musicalmente con el público, hagámonos entender entonces.

Cómo hacerlo con Traktor

Sobra decir que la parte artística de las sesiones corre a cargo del DJ: la elección, el orden, cómo se mezclan los temas, etc. Pero ya sea para planificar o improvisar sesiones, organizar adecuadamente nuestra colección musical es fundamental, tanto en formato físico como en archivos informáticos. Con Traktor existen formas de hacerlo mucho más eficaces que la clásica de archivos y carpetas del sistema.

Organización básica de la colección mediante iTunes y Traktor

Puesto que Traktor no guarda archivos de canciones en sus carpetas internas, es necesario indicarle dónde están. Pero, ¿qué pasa si por error o despiste una de esas carpetas enlazadas se ha borrado, ha cambiado de lugar, o simplemente, el pendrive al que apuntaban no está conectado? Pues que Traktor mantendrá esas canciones en su colección y, si intentamos reproducirlas, nos devolverá un error porque no las habrá encontrado.

Consejo: Existe una herramienta fundamental en Preferences > File Management > “Show Consistency Check Report on Startup” que tras un pequeño rato de análisis al arrancar Traktor, nos indicará si todo está bien o por el contrario hay alguna canción que no se encuentra. Desde la misma herramienta podremos localizarla antes de empezar.

Para evitar en gran medida problemas de archivos fallidos, es interesante usar iTunes como gestor principal de la colección ya que se integra con Traktor a través del modo “iTunes”. No hará falta cerrar o utilizar otro programa que no sea Traktor para acceder a toda nuestra música y añadirla a nuestra colección de Traktor. Además de este modo evitaremos archivos duplicados en distintas carpetas, ya que podremos usar Playlists para organizar la música.

Metaetiquetas

Traktor tiene un buscador interno que funciona perfectamente siempre que las metaetiquetas de los archivos estén generadas correctamente. El nombre de la canción, el artista y el álbum (junto con la carátula) son elementos esenciales para localizar música. Difícilmente encontraremos nada si pasados unos meses tenemos cientos de canciones con el nombre “01”, “02” o equivalentes. Pararnos a revisar al menos estos datos será de gran ayuda si queremos manejar nuestra colección de forma eficaz.

Consejo: gestiona las metaetiquetas directamente en iTunes. El único dato único será el nombre de las canciones, el resto (artista, álbum, carátula, estilo, etc.) podrás cambiarlos en bloque seleccionando varios archivos a la vez o metiéndolos todos en Playlists para hacerlo al final de la selección.

Playlists

Las playlist (listas de reproducción) te ahorrarán mucho espacio en disco y por tanto dinero en comprar dispositivos de almacenamiento extra con el paso del tiempo. Al contrario que las carpetas del sistema, las playlist no contienen copias de los archivos, sino una especie de accesos directos o alias.

Podrás generarlas tanto en iTunes como en Traktor para usarlas en tus sesiones. Si las creas en iTunes, recuerda importarlas desde el nodo correspondiente como harías con las canciones.

Las playlists básicas podrían contener:

  • Lista exacta de canciones para una sesión. Incluso podemos utilizar la playlist especial Preparation de Traktor para hacerlo al vuelo durante el directo.
  • Lista por géneros musicales (rock, pop, electrónica, etc.).
  • Listas por estilos musicales (indie, dance, chill, etc.).
  • Listas por épocas (90’ s, 00’s, etc.).
  • Listas por tipos de mezcla (beatmatching, corte, mashup, etc).
  • Listas por importancia (hits, novedades, etc.).
  • Y cualquier clasificación útil para nosotros.

Tonalidad

A estas alturas es probable que todos hayamos oído hablar de “mezcla armónica”. Consiste en utilizar reglas musicales para mezclar canciones de tal forma que los arreglos de las mismas, al sonar simultáneamente, parezcan una sola. Esta técnica, sumada al beatmatching y una ecualización correcta, nos permitirán hacer mezclas increíbles.

Hasta la llegada hace pocos años de software como Mixed In Key o Rapid Evolution, nos las arreglábamos para hacerlo de oído o buscando notas con un teclado musical. Pero las versiones actuales de Traktor permiten analizar las tonalidades de las canciones. Aprender las sencillas reglas de mezcla armónica, probar mezclas y preparar algunas para nuestro directo, supondrá un salto de calidad seguro.

Emociones

Además de otros métodos de clasificación, utilizar metaetiquetas con nombres de colores (rojo, azul, verde, etc.), números o letras (A, B C, etc.), (hasta el sistema de puntuación de “estrellas” de Traktor), es perfecto para clasificar canciones por “emoción”, “mood”, “feeling”, etc. basado sobre todo en la respuesta del público y no solo en nuestra percepción particular.

Así, podríamos marcar canciones con un color o letra determinada, en una lista de no más de 5 estados de ánimo, por ejemplo: calma, indiferencia, felicidad, sorpresa, euforia. O por supuesto, los que queramos.

Pero sobre todo… escuchar música

La mezcla de todas estas técnicas harán que veamos la música desde muchos puntos de vista, mejorando sustancialmente la clasificación previa y potenciando la selección de forma precisa incluso en tiempo real. Pero adecuar nuestra colección para hacer mejores sesiones no es suficiente si no escuchamos y sentimos la música. Todas estas herramientas facilitan la labor de un DJ, pero un DJ lo es porque se nota que entiende y siente la música al punto de que sabe, dentro de su propio estilo, cómo transmitir en cada instante de la sesión el ritmo y el  sonido a la pista.

Conclusiones

Obviamente la preparación y la gestión de sesiones es en gran medida donde reside el éxito (o el fracaso) de un DJ, mucho más que en la parte técnica aunque evidentemente sea un factor crítico. Pero la técnica la podemos aprender en nuestra casa, en un curso, viendo vídeos e intentándolo una y otra vez hasta que nos salga. Sin embargo, el control de las sesiones requiere de experiencia ante el público y estar en sintonía, seguir tendencias e incluso crearlas. Olvídate de tus propias emociones por un momento e intenta captar las del público. Céntrate en qué puede pasar ahora mismo por su cabeza y analiza qué punto en común pueden tener todos ellos en este preciso instante. Reconoce los diferentes perfiles de público, anticípate. Con mucha práctica y con el tiempo comprenderás la importancia de haberlo tenido en cuenta.

Por Fiumichino y Eme DJ.  Fuente: Hispasonic

El nuevo documental sobre Jeff Mills

La última pieza producida por el mago de Detroit, a medias con Jacqueline Caux, es un vídeo de 45 minutos en el que nos comunica su idea del futuro y sus pensamientos más profundo

Por: Mario G. Sinde
El nuevo documental sobre Jeff Mills solo se podrá ver en museos (y es un flipe) | PlayGround | Actualidad Musical
Jeff Mills lleva tantos años hablando del futuro que más que un DJ o un productor de techno, parece un predicador. En su discurso, que mezcla títulos de discos, sugerencias visuales mientras pincha, entrevistas y videoclips, abundan conceptos como el hipotético contacto con civilizaciones extraterrestres, el desarrollo científico y tecnológico de nuestra sociedad, la búsqueda de fuentes alternativas de energía y de conocimiento, la exploración del espacio exterior e incluso la colonización de otros planetas.Todas las utopías y las fantasías desarrolladas durante décadas por la ciencia-ficción, con su aliento poético y su empuje entusiasta hacia las fronteras desconocidas, coinciden en un discurso muy bien articulado en el que se mezclan The Electrifying Mojo y Stanley Kubrick, Philip K. Dick y Detroit, Ray Bradbury y la aeronáutica. Así que tarde o temprano tenía que llegar el momento en el que toda la ‘filosofía Mills’ apareciera condensada en una sola obra englobadora.Conversaciones sobre el futuroMan from tomorrow

Se trata de Man from tomorrow, un documental dirigido por la realizadora francesa Jacqueline Caux en el que, durante 45 minutos, se suceden imágenes abstractas y fragmentos de conversaciones mantenidas entre Mills y Caux en las que se debaten ampliamente todos los asuntos relacionados con el futuro -de la música, del hombre, de la civilización- que le interesan a The Wizar. Caux es una directora versada en esta clase de saraos: en 2007 ya presentó Cycles of the mental machine, un documental sobre el techno de Detroit.

Por ahora, la manera de acceder a Man from tomorrow -título inspirado, lógicamente, en el track incluido en el doble 12” de 1994 editado en el sello Axis, “Cycle 30”- es a través de pases públicos en lugares muy especiales. El documental se estrenó el pasado 2 de febrero en el Museo del Louvre, se ha proyectado también en Nueva York y Berlín, y el 19 de abril llega al ICA de Londres, motivo por el cual Mills ha conversado con la revista Dazed para ofrecer más detalles del proyecto.

Por ejemplo, comenta que Jacqueline y él se conocieron a través de amigos comunes en París y que conectaron con una idea: hacer una película que fuera representativa sobre el proceso psicológico que atraviesan las personas que escuchan música electrónica. “Para llevar esta vida, necesitas una estructura mental distinta”. Y es que, según Mills, el techno es una cosa muy seria. “Hay gente que ha visto el documental y dice que tengo una actitud muy triste. Es la consecuencia de esta profesión. Cuando llevas tanto tiempo [Mills ha estado en el techno durante más de 30 años], no se trata de si te lo pasas bien o no. Es una cosa instintiva. Ahora hago 10 veces más música que cuando era joven, porque no me basta con comprar música y esperar a que alguien haya hecho el tipo de disco que necesito escuchar. Cuando vas a pinchar a una fiesta, necesitas música que diga exactamente lo que necesitas comunicar”.

Comunicar el futuro, en definitiva. El trabajo de una vida.

Man From Tomorrow Trailer from AxisRecords on Vimeo.

Fuente: playground

Muere Frankie Knuckles

 

Todos en Chicago le conocían como El Padrino. Básicamente porque Frankie Knuckles fue uno de los que inventaron el house –o al menos estuvo ahí desde el primer día- la música house con la denominación de origen de la ciudad del medio oeste estadounidense. Un género que revolucionó la música de baile a mediados de los ochenta y que todavía hoy sigue sonando en las discotecas en cualquiera de sus múltiples variantes. El legendario productor y dj, hasta hace poco todavía en activo, murió el lunes por la tarde en su casa. Hacía tiempo que su salud se había deteriorado. Hace unos años tuvieron que amputarle un pie a causa de unas complicaciones derivadas de una osteomielitis. Pero hasta hace muy poco todavía se ponía detrás de unos platos en clubes de todo el mundo. Aunque fuera para revivir la gloria y el esplendor de dos décadas atrás.

Podría decirse que la historia del house, la semilla a través de la que ha germinado toda la música de baile de los últimos 30 años, surgió en Nueva York pero se plantó en Chicago cuando Knuckles se mudó ahí y se instaló en el legendario Warehouse. Un club donde vivía y pinchaba cada noche –o más bien amanecer- y al que solo se podía acceder si se era uno de sus miembros (básicamente de la escena gay y latina). En el piso de arriba había un pequeño lounge, en la planta baja, la discoteca y en el sótano, la cocina. De su nombre, aunque todavía circulan varias versiones para explicar el nacimiento del término, viene la etiqueta de house.

Al principio la música que sonaba en aquel club formaba parte más bien de los coletazos del disco y algunos fogonazos de post punk. Poco a poco, Knuckles fue introduciendo el ritmo 4×4 (una dureza en los compases que reclamaba el propio contexto) y creando temas como el fundacional. Your Love, compuesto en 1986 con Jamie Principle y que todavía hoy suena en los garitos de todo el mundo. “Lo importante era mantener lo mágico que tenía aquella canción, pero hacerla más nueva, relevante, potente. Tenía que ser más fácil de pinchar para un dj”, recordaba en una entrevista con EL PAÍS en 2011 explicando cómo llegó hasta ese himno de las pistas de baile. En esa época, aquellos pioneros de la música de baile todavía editaban en cinta y los pocos aparatos que tenía Knuckles, como una Roland 909, pertenecían a Principle; una Roland 909. Pero detrás de esas pioneras máquinas comenzó una enorme revolución que terminó extendiéndose a todo el mundo.

“El sonido house no lo creé de forma premeditada. Simplemente sabía que si algo me afectaba emocionalmente, le sucedería lo mismo al resto. Algunos sonidos que usaba se fueron repitiendo, la base 4×4, el golpe intenso del bombo… después vas coloreando el resto de la canción”, explicaba Knuckles. Con él y su amigo de la infancia –aunque luego tomaran caminos distintos- Larry Levan nació una manera distinta de disfrutar las noches que se contagió también al otro lado del Atlántico instalándose en Reino Unido e Ibiza. Knuckles se atribuía también la paternidad de la réplica de ese terremoto que terminó provocando la gran revolución del acidhouse inglés y cuya lluvia ácida de frecuencias agudas y ritmos hipnóticos influyó en toda la música que salió de la isla a finales de los ochenta y comienzos de los noventa (como Primal Scream, New Order o Happy Mondays). “Vinieron a verme a Chicago unos periodistas ingleses. Querían saber cómo habíamos creado todo aquello. Les presenté a todo el mundo, fueron a los clubes… Luego se volvieron al Reino Unido y ahí surgió todo aquello”, explicaba él.

El fenómeno no ha cesado y en los últimos años ese house primigenio ha vivido un enorme revival en las discotecas. Gracias a ello, Knuckles pudo disfrutar del aura de mito y seguir explotando su leyenda. Con él nació una música que hoy, y todavía más con la muerte del padre, forma parte ya a pleno derecho de la tradición musical moderna.